http://bijari.com.br/blog/?p=24
http://www.ideafixa.com/bairro-criativo/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=bairro-criativo
http://www.ondaweb.com.br/blog/?p=9291
http://olhardigital.uol.com.br/produtos/mobilidade/celulares-verdes-sao-uma-alternativa-para-diminuicao-do-lixo-eletronico/13710
http://www.objetosinterativos.com.br/
http://designtd.wordpress.com/category/objetos-interativos/
http://jubirchalarquitetura.blogspot.com/2010/04/objetos-interativos.html
http://yarquiteturaufmg.blogspot.com/2009/05/analise-dos-objetos-interativos.html
http://www.youtube.com/watch?v=wNO4OaeANdY&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=h_jW9rciPN4&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=6bwoNcdzpOw
http://www.youtube.com/watch?v=nk-ZJ8bcjDg
http://www.youtube.com/watch?v=3u9zBTcNcys
IDEO foi formada em 1991 pela fusão de três empresas de design: David Kelley Design (fundada por David Kelley, que também é professor na Universidade de Stanford), ID Two (fundada por Bill Britain's Moggridge) e Matrix Product Design (fundada por Mike Nuttall). A Steelcase (fábrica de móveis para escritório) possuia participação majoritária na empresa, mas está girando fora da filial através de um programa (com duração de cinco anos) de recompra de gestão que começou em 2007. Os fundadores das empresas antecessoras ainda estão envolvidos na empresa. O atual CEO é Tim Brown.
A empresa emprega aproximadamente 550 pessoas nas disciplinas de fatores humanos, engenharia mecânica, elétrica e software, design industrial e de interação. IDEO já trabalhou em milhares de projectos para um grande número de clientes no consumo, informática, medicina, mobília, brinquedos, escritório e indústria automotiva. Exemplos notáveis são o primeiro mouse da Apple, o segundo mouse da Microsoft, o PDA Palm V e a cadeira Steelcase Leap. Principais clientes (em 2004) incluiu a Procter & Gamble, PepsiCo, a Microsoft, a Eli Lilly, e Steelcase.
Em 1999, a empresa foi o tema da "Deep Dive" episódio do Nightline, da ABC, que redesenhou um carrinho de compras em cinco dias. Em 2001, o gerente geral da IDEO Tom Kelley escreveu ''The Art of Innovation'', e mais recentemente, ''The Ten Faces of Innovation.''.
IDEO foi apresentado no documentário design 2009 "Objectified".
IDEO ganhou mais do BusinessWeek IDSA Industrial Design Excellence Awards que qualquer outra empresa . IDEO foi classificado no top 25 empresas mais inovadoras pela BusinessWeek e faz trabalhos de consultoria para as outras 24 empresas no top 25.
The Future of the Book.
A Universidade Técnica de Delft é um dos centros de ensino superior mais importantes dos Países Baixos.
Foi fundada a 8 de janeiro de 1842 em Delft com o nome de Academia Real, tendo depois mudado a designação para Escola Técnica Superior e finalmente, em 1986, para universidade.
Conta atualmente com 8 faculdades.
- Arquitetura
- Engenharia Civil e Geologia, com as seguintes seções:
- Transportes e Urbanismo
- Construcão
- Geotecnologia
- Gestão da Água
- Hidráulica e Marítima
- Electrônica, Matemática e Informática
- Desenho Industrial
- Mecânica, Técnica Naval e Ciência de materiais
- Aeronáutica e Aeroespacial
- Física Aplicada
- Técnica, Direção e Gestão
A maior parte está situada a sudeste do município de Delft, onde se forma um campus, juntamente com empresas de investigação e laboratórios (TNO, WL'Delft Hydraulics, entre outras).
A universidade, que fica em Delft, Holanda, oferece cursos de graduação, pós-graduação e mestrado.
Também realiza pesquisas nas áreas de saúde, energia, meio ambiente, infra-estrutura, entre outros.
ARQUITETURA
Um programa dinâmico e amplo com atração internacional.
Um dos mais dinâmicos programas de treinamento para arquitetos em toda a Europa. A universidade está sempre nos holofotes internacionais e tem uma excelente reputação por fornecer um programa de criação de base ampla para os arquitetos, urbanistas e paisagistas. Além disso, a Faculdade é extraordinariamente bem-sucedida com pesquisas histórico, arquitetônico e sócio-científica.
Ela atua - através de seu programa de mestrado e dos programas de inovação que são realizados independentemente ou em parceria com empresas italianas e internacionais - como um centro cultural para extender e disseminar interação - conhecimentos em design e know-how. Ela objetiva
desenvolver a cultura do design de interação, o qual originalmente emergiu no Vale do Silício, no contexto europeu, construindo em particular no território italiano e em atuais pontos fortes em design, inovação e estilo de vida. Fazendo isso, vai moldar uma fusão italiana distinta em cultura, tecnologia, modelos de serviço e design para produtos e serviços.
Aqui é um vídeo de uma exposição deles no museu Victoria & Albert Museum London, em Londres. Super bem feito e bastante interativo, vale a pena ver. (Ps.: Tirem o som, porque a música não é muito agradável...)
Touch Me
O objetivo do Programa de Design de Interação é que alunos, corpo docente e funcionários trabalhem juntos em um ambiente de estúdio multi-cultural e multidisciplinar para, juntos, co-criarem um novo tipo de educação que seja relevante academicamente e industrialmente.
Após um rigoroso processo de seleção, 21 alunos do mundo todo foram escolhidos para participarem de uma versão integral e experimental de um futuro curso de Mestrado em Design de Interação. Uma seleção diversa de professores visitantes proporcionam aos alunos uma gama de especialistas em currículos totalmente imersivos.
Eles acreditam em uma abordagem prática e focada no usuário e o programa, que tem a duração de um ano, ensina aos alunos a aplicarem tecnologia no cotidiano - através de design de softwares, produtos e serviços.
Todos os alunos aprendem as habilidades eletrônicas e de programação necessárias para se trabalhar com tecnologia, uma vez que o método de design e o trabalho frequente em grupos multidisciplinares encorajam o aprendizado igualitário. Eles conduzem pesquisas com usuários e fazem protótipos para transmitirem conhecimentos do mundo real para os seus conceitos.
Ministros dinamarqueses de diversos setores já concederam previamente fundos para o programa e a JL Foundation patrocina os equipamentos técnicos utilizados do projetos laboratoriais.No Laboratório de Investigação CIID, a palavra pesquisa é interpretada no seu sentido mais amplo. É considerado como um conjunto de atividades que buscam romper os limites do pensamento atual - tanto a partir de um ângulo teórico quanto ao aplicado.
Nosso objetivo é expandir o corpo de conhecimento em relação aos processos de interação design, aplicações e metodologias.
O Laboratório de Investigação apoia os aspectos da educação e consultoria do CIID, desenvolvendo novas ferramentas e métodos para o ensino e a prática da indústria. Nossos projetos de pesquisa são a curto e a longo prazo. As atividades abrangem:
* Consultoria para clientes* Inovação em oficinas* Colaboração com parceiros da indústria e da investigação
O objetivo do Laboratório de Pesquisa é dar às organizações públicas e privadas a oportunidade de colaborar com um grupo jovem, dinâmica e competente de pesquisadores. Principais factores competitivos do laboratório de pesquisa incluem:
* O projeto de alta velocidade processos* Forte criatividade na geração de conceito* Foco na experiência do usuário* Habilidades de prototipagem rápida e eficaz e técnicas* Elaboração de cenários futuros* Uma comunicação eficaz de projetos e documentação* Internacional de pensar e de meio ambiente.
lâmpada ultra-high performance (UHP
Radio ferro
Crossing on demand
Pequenas Interacoes
Guto Lacaz é basicamente um artista plástico que, às vezes, cruza os terrenos da ciência e da tecnologia, sobretudo quando constrói as suas máquinas e aparelhos paradoxais ou absurdos. É uma espécie de antiengenheiro decidido a aplicar o seu know-how na desmontagem, na desorganização, na desconstrução talvez do sistema produtivo industrial. Trata-se basicamente de conceber e pôr em funcionamento publicamente dispositivos absolutamente inúteis, que repetem ad infinitum suas tarefas quixotescas.
O trabalho de Lacaz é a experiência mais negativa que se conheçe no Brasil (negativa no sentido de portadora de uma negação) em relação a toda a religião da produtividade que embasa as sociedades industriais. O que quer Lacaz é justamente transformar em jogo gratuito a função produtiva da tecnologia, de modo a demonstrar que o trabalho artístico depende muito pouco dos valores da produção e progride sempre na direção contrária à da tecnocracia. A tese que parece sustentar o seu trabalho é a de que a arte independe de qualquer teleologia; ela é o que é, esse enigma inesgotável, entre outras coisas porque lhe faltam finalidades. Ao fluxo quantitativo das mensagens utilitárias e confortantes que trafegam diariamente nos canais majoritários da mídia, a arte responde com a incerteza, a indeterminação e, acima de tudo, com um humor que corrói tudo.
Documentário sobre o Artista
Theo Jansen (A Haia, 17 de março de 1948) é um artista e escultor cinético holandês.
A sua obra é especialmente conhecida pelos trabalhos de grandes dimensões que se assemelham a esqueletos de animais e que são capazes de caminhar utilizando a energia do vento.
As suas obras são uma mistura de arte e engenharia; em um comercial de televisão da BMW, Theo Jansen afirma que "as fronteiras entre arte e engenharia existem apenas em sua mente".
Jansen dedica-se a criar vida artificial através de algoritmos genéticos, que simulam a evolução dentro de seu código.Algoritmos genéticos podem ser modificados para resolverem uma variedade de problemas.Suas criações possuem cérebros primitivos, baseados em contagem binária,que são utilizados para lozalizar sua posição na praia.Seus "animais" necessitam localizar-se para ficarem longe de seus principais perigos: o oceano, o fim da praia e principalmente tempestades.
Segundo sua página:
Há cerca de 10 anos, Theo cria um novo tipo de natureza.Nem pólen nem semente, mas tubos amarelos são utilizados como material básico dessa nova natureza.Ele constrói esqueletos capazes de caminhar com a ajuda do vento.Ele sonha, em um futuro próximo , soltar suas criações na praia para que possam viver suas próprias vidas.
Theo Jansen's Creatures
Wishbone
My little Violin
Margot's Cat
Arthur Ganson faz esculturas que se movem
Além das performances ao vivo, O Grivo compôe trilhas para cinema, vídeo, dança e instalações em colaboração com artistas como Cao Guimarães, Lucas Bambozzi, Rivane Neuenschwander, Valeska Soares, Alejandro Ahmmed, Adriana Banana e Rodrigo Pederneiras. No momento o GRIVO trabalha na concepção sonora de um projeto da bailarina Thembi Rosa, parceira do grupo em outras ocasiões, e na captação e trilha de filmes.
O trabalho de O Grivo, em suas próprias palavras, pesquisa e aprofunda temas e campos tais como a "espacialização, a disposição e o movimento do som no espaço, a improvisação, a ampliação do repertório de timbres (acústicos, eletrônicos e eletroacústicos), a mecanicidade e a aleatoriedade, o minimalismo (John Cage e Morton Feldman), a transparência da forma, a atenção para todas as particularidades dos sons e ouvido curioso".
Mesa Cordas
O artista iniciou seus estudos em arte em Tel-Aviv, Israel, onde morou com sua família entre 1942 e 1948. Enquanto fora estuda pintura, desenho e história da arte no Instituto Municipal de Arte de Tel-Aviv. Esteve presente, em 1964, na XXXII Bienal de Veneza. Vem exibindo sua obra por todo o mundo, tendo feito parte da exposição “Lo(s) Cinetico(s)”, no Centro de Arte Reina Sofia, Madrid, Espanha, em 2007.
Abraham Palatnik
Em 1923 passou a estudar desenho na Art Students League, em Nova York, concluindo o curso em 1926. Nos dois anos seguintes colaborou como ilustrador na publicação "National Police Gazette" e, em 1926, realizou sua primeira exposição, juntamente com outros artistas.
Em 1927, viajou para Paris, onde expôs no Salão dos Humoristas seu "Cirque Calder", uma miniatura de circo com bonecos animados. No mesmo ano, voltou para Nova York e, no seguinte, fez sua primeira mostra individual na Weythe Gallery. Ainda em 1928 voltou a Paris, para uma nova exposição, e foi a Berlim, onde iniciou a criação de jóias.
De volta a Paris, em 1930, começou a fazer grandes esculturas abstratas, os "stabiles", utilizando arame para criar volume. Numa de suas viagens, Calder conheceu Louisa James, sobrinha-neta do escritor Henry James, com quem se casou em 1931.
Freqüentando o meio artístico parisiense, Calder conheceu artistas fundamentais para o desenvolvimento de sua arte, como Marcel Duchamp, Joan Miró e Fernand Léger. Visitando o ateliê de Piet Mondrian teve o que chamou de uma experiência chocante, a qual o encaminhou rumo à abstração, ao observar uma parede cheia de retângulos coloridos de papel, que Mondrian continuamente mudava de posição, para estudar composição.
Em 1931 as esculturas de Calder adquiriram movimento. "Dancing Torped Shape" era uma escultura acionada a manivela. O primeiro dos famosos "móbiles" de Calder foi "Calderberry Bush", uma escultura que mudava de forma com o vento. (Aliás, o termo "móbile" foi criado por Duchamp para batizar este tipo de escultura.)
Em 1933 Calder e Louisa deixaram a França e mudaram-se para uma fazenda em Roxbury, nos Estados Unidos, onde ele construiu seu ateliê. Sua primeira filha, Sandra, nasceu em 1935 e a segunda, Mary, em 1939.
As décadas de 1930 e 1940 foram extraordinariamente produtivas para Calder. Sua criatividade levou-o a realizar obras cada vez mais versáteis, como esculturas ao ar livre, cenários para teatros e balés e móbiles para arquitetura.
Em 1943 as obras de Calder foram reunidas numa grande retrospectiva realizada pelo Museu de Arte Moderna, o Moma, de Nova York. Em 1952, o artista recebeu o prêmio internacional de escultura na Bienal de Veneza.
Em 1964, outra grande retrospectiva de sua obra foi realizada no Museu Guggenheim de Nova York. Calder seria consagrado como o grande inovador da escultura no século 20. Faleceu, na casa de uma de suas filhas, aos 78 anos.
- Algumas Obras de Alexander Calder
Alexander Calder performs his "Circus" - Whitney Museum
Antes de chegar à arte participativa, Lygia Clark passou por uma evolução. No início de sua obra era influenciada pelo construtivismo (a arte vista como uma construção e não uma representação) da década de 30 até que, ao assinar o Manifesto Neoconcreto (a arte não é um mero objeto, tem sensibilidade expressiva que vai além de puro geometrismo. ), novas diretrizes formais apontam em seu trabalho.
Lygia Clark abonadan a arte bidimensional e parte para a arte tridimensional para depois entrar nas arte participativa que necessitam da participação do co-espectador.
Lygia Clark propõe com a sua obra, que a pintura não se sustenta mais em seu suporte como conhecemos. Ela procura novos vôos. A artista chama de “linha orgânica”, em 1954: não é uma pintura fechada nela mesma; a superfície se expande igualmente sobre a tela, separando um espaço, se reunindo nele e se sustentando como um todo.
O primeiro passo para essa interação é a queda das molduras. A arte como algo palpável, algo tangível e que para essa arte se expressar e passar sua essência, ela necessita do corpo humano e seus instintos.
O termo produção de presença aponta para todo fenômeno em que um efeito de tangibilidade irão tocar e afetar o corpo de uma pessoa. São capazes de moldar e produzir diferentes formas corporais e identidades corporais, nesse sentido, o corpo atuando juntamente com a arte, começa a ser um dado fundamental nos estudos de comunicação.
Segundo o site da própria artista Lygia Clark, estas séries caminhavam para longe do espaço claustrofóbico da moldura, queriam estar livres. É aquilo que Lygia queria, que cada figura geométrica projeta-se para além dos limites do suporte, ampliando a extensão de suas áreas.
Obras de Lygia Clakr
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